A zenei műfajok közül jelenleg a klasszikus zenével foglalkozunk.
C mint - Classic
A Classic zebe következő alműfaja az Opera:
opera , egy színpadi dráma, amelyet teljes egészében megzenésített, alkoténekes darabok hangszeres kísérettel és általában zenekari nyitányokkal és közjátékokkal. Egyes operákban a zene egy felvonáson keresztül folyamatos; másokban különálló darabokra vagy „számokra” bontják, amelyeket recitativ (a beszédet megközelítő drámai éneklés ) vagy beszélt párbeszéd választja el egymástól .
Az angol opera szó az opera in musica („zenei munka”) olasz kifejezés rövidítése . Olyan színházi művet jelöl, amely drámai szövegből vagy librettóból („füzetből”) áll, amelyet megzenésítettek , és díszletekkel, jelmezekkel és mozgással állítanak színpadra. A színpadon szereplő szóló-, együttes- és kórusénekeseken, valamint a színpadon kívül játszó hangszereseken kívül az opera előadói között a kezdetektől fogva gyakran voltak táncosok is. A zenei-drámai szórakoztatás összetett, gyakran költséges változata, az opera története során támogatókat és ellenzőket is vonzott, és néha heves kritikák célpontja volt.. Ellenzői mesterséges és irracionális művészeti formának tekintették, amely szembeszáll a drámai valósággal. A támogatók többnek látták, mint a részek összegét, mivel a zene támogatja és fokozza a szöveget és az akciót, hogy olyan műfajt hozzon létre, amely nagyobb érzelmi hatással bír, mint amit akár a zene, akár a dráma önmagában elérhetne.Az operaelőadás előkészítése sok egyén munkáját foglalja magában, akiknek összesített hozzájárulása néha egy évszázadra vagy többre terjed ki. Az első, gyakran nem szándékos újonc valószínűleg az eredeti történet írója. Aztán jön a librettista, aki a történetet vagy a darabot – általában verses verseket magában foglaló – formába önti, amely alkalmas zenei beállításra és éneklésre. A zeneszerző ezután ezt a librettót megzenésíti. Az építészek és akusztikusok olyan operaházat terveznek, amely alkalmas vagy adaptálható olyan előadásokhoz, amelyek méretes színpadot igényelnek; egy nagy backstage terület a díszlet elhelyezésére; egy „gödör” vagy tér (gyakran a színpad szintje alatt), amely egy zenekar befogadására szolgál; és megfelelő számú közönség számára alkalmas ülőhelyek. A producernek (vagy rendezőnek) meg kell határoznia a tervezők, jelenetfestők, megrendelők és világítási szakértők munkáját. A producernek, a karmesternek és a zenei stábnak hosszú ideig együtt kell dolgoznia a kórussal, a táncosokkal, a zenekarral és a statisztákkal, valamint a vezető énekesekkel, hogy előkészítsék az előadást – ez a munka néhány naptól több hónapig is eltarthat. Mindez a tevékenység ráadásul nemcsak a zenei partitúrát gondosan előkészítő kutatók és szerkesztők munkája során zajlik , különösen a rég elfeledett vagy régen megjelent művek felelevenítése esetén, hanem a színházé is.adminisztratív személyzete, amely magában foglalja az impresszáriót és a foglalásokért, jegyértékesítésért és egyéb üzleti ügyekért felelős más személyeket. Az opera egyik legváltozatosabb oldala hosszú története során a zene és a költészet vagy szöveg közötti egyensúly volt. Az első operák munkatársai (a 17. század elején) úgy gondolták, hogy egy új műfajt hoznak létre, amelyben a zene és a költészet a dráma szolgálata érdekében elválaszthatatlan egésszé olvad össze, egy olyan nyelvvé, amely saját osztályába tartozik. – félúton a beszéd és az éneklés között. Az ezt követő évtizedekben és évszázadokban ezeknek az elemeknek az egyensúlya ismételten eltolódott a zene és a dráma sértetlenségének rovására, de a különféle „reformok” révén újra viszonylagos egyensúlyba került. A zene, a szöveg és a dráma között azonban több kívánatos egyensúly lehetséges, és idővel az esztétikum isAz opera és alkotói ideáljai sikeresen alkalmazkodtak a mecénások és a közönség változó ízléséhez és attitűdjéhez, ugyanakkor alkalmazkodtak a nyelvi sokszínűséghez és a válogatott nemzeti preferenciákhoz is. Ennek eredményeként az opera több mint 400 éve megmaradt a nyugati kultúrában .
Itt a hétvége, nyit a blueskocsma. A hónap utolsó hétvégéjén az a hagyomány, hogy különböző előadóké a főszerep. A mai belefülelőnk a Blues Rock válogatás második lemeze.
A következő felvételeket hallhatjuk:
1Mason Casey–Smellin' Like Whiskey4:45
2John Campbell–Guilt Trip6:01
3Craig Erickson–Everybody's Business5:05
4Sy Klopps Blues Band–Good Morning Little School4:55
Folytatjuk a tenei műfajok feldolgozását. Jelenlegi csoportunk a klasszikus zene.
C mint - Classic
A Classic zene következő alműfaja a Cantata:
Akantáta , (az olasz cantare szóból: „énekelni”), eredetileg éneklésre szánt zenei kompozíció.
A kantáta szó először egy olasz zeneszerzőnél jelent meg Alessandro Grandi Cantade et arie a voce sola ( Kantáták és áriák szólóhangra ; megjelent 1620–29). A Grandi utáni korai kantátákat olasz zeneszerzők írták, többnyire világi stílusban. Olyan zeneszerzők, mintAlessandro Stradella , Mario Savioni, Giovanni Legrenzi és tanítványaik a kantátát az arisztokratikus zenei élet állandó szereplőjévé tették Róma udvaraiban és Európa más részein.Alessandro Scarlatti volt az olasz kantáta -zeneszerzők utolsó fő csoportjának fő alakja.Johann Hasse , Scarlatti német tanítványa Drezdába vitte a kamarakantátát; és többek között George Frideric Händel olasz módra írt kantátákat. A 18. század elején a francia zene hasonló irányzatot mutatott, nevezetesen Louis Clérambault, Jean-Baptiste Morin és Jean-Philippe Rameau műveiben . A francia kantáták általában a francia szövegekhez tartoztak, és Németországban, ahol a kantáta elvesztette arisztokratikus konnotációit , németül voltakevangélikus lelkészek, nevezetesen Erdmann Neumeister ösztönözte a világi zene befogadását az egyházi szolgálatba. Ezek biztosították a német protestáns zeneszerzők ciklus szövegek szent kantátái alapuló operai ária formában. Korábban evangélikus az egyházi zene nagyrészt a 12. századi zenén alapult bibliai szövegekkel. Neumeister szekularizáltabb formájának beáramlásával az egyházi zenét az olasz opera stílusa alakította át.Georg Philipp Telemann 12 kantátaciklusával minden vasárnapra és ünnepnapra ezt az irányzatot képviseli.A kantáta szót sokan leginkább JS műveiből ismerik Bach , bár olyan régebbi kifejezésekkel nevezte őket, mint a mottó, a koncert vagy az óda (a kantáta nevet a 19. századi szerkesztők alkalmazták), és elutasította a formát gyakran jellemző felületes stílust. 1714-ben Bach integrált da capo áriák az ő egyházi műveiben. Korai lipcsei éveiben (1723–25) kifejlesztette az únkorál kantáta, amely kezdődik egy bonyolult kórus fantázia az első versszak a himnusz , és bezárja egy egyszerű harmonizációja az utolsó versszak, ahol a gyülekezet feltehetően csatlakozott. A köztes versszakokat a recitativók és áriák szövegei parafrazálják egy vagy több szólistának, a különböző tételeket pedig átszőtte a liturgikus szolgálat.A világi kantáták szintén gyakoriak voltak Bach korában ( pl. a Kávé és Parasztkantátái ) és azután is. A nagy bécsi zeneszerzők kantátákat írtak, általában egy adott eseményre – pl. Mozart Die Maurerfreude ( Kőkőműves öröm ) című művére –, de a forma fokozatosan hanyatlott. Körülbelül 1800-ban a stílus a kantáta egyre ingyen, és a kifejezést gyakran alkalmazzák olyan meglehetősen nagy munka szólóének, vagy hangok, kórus, és zenekarra Beethoven Der glorreiche Augenblick (A dicső pillanat ) tovább.Mendelssohn még a kantátát is kombinálta a szimfóniával az únLobgesang szimfónia-kantáta (1840;Himnusz ), míg a 20. századi angol zeneszerzőBenjamin Britten adta a címetTavaszi szimfónia (1949) egy olyan műre, amely tulajdonképpen kantáta. A kantáta XX. századi művelését olyan zeneszerzők támogatták, mint például Britten, akik érdeklődnek a zene régebbi formái iránt. Általában azonban a kamra kantáta eredetileg megadott Most úgy tűnik, mint egy alkalmi mellékterméke dőlése sok modern zeneszerzők felé dal ciklus, és a beállítás a költészet általában.
Belefülelők:
J. S. Bach - Cantata Nº 208
George Frideric Handel - O lucenti, o sereni occhi Cantata HWV144
Jean-Baptiste Morin (1677-1745) - "Le naufrage d'Ulisse"
Alessandro Stradella "Cantata per Il Santissimo Natale"
Itt a hétvége, nyit a bkueskocsma.. E heti vendégünk a Black Cat Bones.
Black Cat Bones
A Black Cat Bones brit zenekar 1966 -ban alakult Paul Tiller (ének és szájharmonika), Paul Kossoff (gitár), Derek Brooks ( ritmusgitár ) és Stuart Brooks (basszusgitár) testvérek , valamint Terry Sims (dob) tagjaival. A Black Cat Bones (a fekete macskacsontokról kapta a nevét , a Hoodoo varázsa a blues zenéhez kapcsolódik) rendszeresen játszott a londoni kocsmai körön. A zenekar fennállása elején számos személyi változás következett be, Terry Sims helyére Frank Perry dobos lépett, akit 1968 elején Simon Kirke dobos váltott. Paul Tillert később Brian Short énekes váltotta. Mike Vernon , a Blue Horizon blues lemezkiadó tulajdonosának javaslatára Kossoff, Kirke és Stuart Brooks, a veterán blues zongoraművész, Champion Jack Dupree támogatta 1968 -as When You Feel the Feeling You Was Feeling című albumán , és játszott velük a turnéjukon.. Paul Kossoff és Simon Kirke azonban hamarosan távozott, helyükre Rod Price gitáros és Phil Lenoir dobos lépett. Ez az összeállítás rögzítette a Barbed Wire Sandwich -t , a zenekar egyetlen albumátkiadását. Az albumot a Tangerine Studiósban és a Decca Studióban vették fel, és 1969 novemberében adták ki a Decca újonnan indított, progresszív rockzenének szentelt Nova kiadóján . Amikor az album nem nyerte el a zenekar kritikai elismerését, Brian Short, Rod Price és Phil Lenoir tagok kiléptek a zenekarból, gyakorlatilag véget vetve annak létezésének.
Brian Short 1971-ben Anything for a Laugh címmel szólóalbumot készített , amely szintén nem váltott ki kritikai elismerést. A többi bandatag, Derek és Stuart Brooks mellett csatlakozott Pete French énekes és Mike Halls gitáros a Brunning Sunflower Blues Band -től; Keith George Young dobos hozzáadása után 1970 -ben a hard rock együttes lett a Leaf Hound. Mike Halls hosszú évekig játszott a brit blues pályán, majd később Kaliforniába költözött . Bob Weston , később a Fleetwood Mac tagja lett.
Mi az 1969-es "Barbed Wire Sandwich" című lemezbe fülelhetünk bele.
Folytatjuk a Prog Magazine brit zenei szaklap nellékleteként megjelent CD-ivel való ismerkedést. Ma a 2012-ben megjelent násodik lemez zenei anyagába fülelünk bele.
A következő felvételeket hallhatjuk:
01. Pendragon (3) – This Green And Pleasant Land 13:15
Folytaódik a különböző zenei stílusokkal való barátkozás. Most a klasstikus zene van terítéken.
C mint - Classic
A Classic zene következő alműfaja a Baroque:
A baroqe a portugál Barroco , vagyis „furcsa alakú gyöngy” szóból származuk. A barokk zene , az 1600 és 1750 közötti időszakban uralkodó zenei stílus, amely grandiózus, drámai és energikus szelleméről, de stílusbeli sokszínűségéről is ismert. Az opera , az oratórium és a kantáta volt a legfontosabb új vokális forma, míg a szonáta , a koncert és a nyitány a hangszeres zenéhez készült. A barokk korszak három nagy szakaszra oszlik: korai, középső és késői,
Korai barokk zene (1580–1650)
A firenzei Camerata a késő reneszánsz firenzei humanistáiból, zenészeiből, költőiből és értelmiségiből álló csoport volt, akik Giovanni de 'Bardi gróf védnöksége alatt gyűltek össze, hogy megvitassák és irányítsák a művészeti irányzatokat, különösen a zenét és a drámát . A zenére hivatkozva eszményeiket a klasszikus (különösen az ókori görög ) zenei dráma felfogásán alapították, amely értékeli a beszédet és a szónoklatot. Ennek megfelelően elutasították kortársaik polifónia (többszörös, független dallamvonalak) és hangszeres zene használatát, és megvitatták az olyan ókori görög zenei eszközöket, mint a monódia , amely szóló énekből állt, kithara kíséretében(ősi ütős vonós hangszer). A korai felismerések ezeket a gondolatokat, beleértve Jacopo Peri „s Dafne és L'Euridiké , kezdetét jelezte opera, amely katalizátora volt a barokk zenénel
Ami a zeneelméletet illeti, a figurás basszus (más néven alapos basszus ) szélesebb körű használata a harmónia, mint a polifónia lineáris alapjai fejlődő jelentőségét jelenti. A harmónia az ellenpont végeredménye, a figurált basszus pedig a zenei előadásban általánosan használt harmóniák vizuális ábrázolása. A számozott basszus, számok, szimbólumok accidentals vagy felett helyeztük el basszus , hogy olvasta billentyűs hangszer játékosok, mint a csembaló játékos vagy az orgonistákról (vagy lantosok). A számok, véletlenek vagy szimbólumok jelzik a billentyűs játékosnak, hogy milyen időközönként kell lejátszani az egyes mélyhangokat. A billentyűs játékos rögtönöz egy akkordot minden basszus hangjára. A zeneszerzők harmonikus haladással kezdtek foglalkozni és diszonancia létrehozására is használták az instabil intervallumként, (ezt használták a domináns hetedik akkordban és a csökkent akkordban ). A harmónia iránti érdeklődés bizonyos reneszánsz zeneszerzők körében is fennállt, nevezetesen Carlo Gesualdo esetében.Azonban a harmónia használata a tonalitás felé irányul (egy zenei kulcsra való összpontosítás, amely egy darab "otthoni hangjává" válik), nem pedig a modalitás , a reneszánszból a barokk időszakba való áttérést jelzi. Ez arra a gondolatra vezetett, hogy bizonyos akkordsorok, nem csak hangjegyek, a lezárás érzését nyújthatják a darab végén - az egyik alapötlet, amely tónusként vált ismertté.
A kompozíció ezen új aspektusainak beépítésével Claudio Monteverdi elősegítette az áttérést a reneszánsz zenei stílusról a barokk stílusra. Kifejlesztett két egyéni kompozícióstílust - a reneszánsz polifónia örökségét ( prima pratica ) és a barokk új basso continuo technikáját ( seconda pratica ). A basso continuo segítségével egy kis zenészcsoport játssza a basszust és az akkordokat, amelyek egy dallam kíséretét képezték . A basso continuo csoport jellemzően egy vagy több billentyűs játékost és egy lantost használ, akik a basszusvonalon játszanak, és improvizálják az akkordokat és több basszus hangszert (pl.basszus viol , cselló , nagybőgő ), amely a basszust játszaná. Többek között a L'Orfeo és a L'incoronazione di Poppea operák megírásával Monteverdi jelentős figyelmet szentelt ennek az új műfajnak. Ezt a velencei stílust Heinrich Schütz vitte kézhez Németországban, akinek változatos stílusa a későbbi időszakba is hallható.
Az idiomatikus hangszeres textúrák egyre inkább előtérbe kerültek. Különösen a stílus Lüthe -az rendszertelen és kiszámíthatatlan felbomlása akkordikus progresszió, szemben a rendszeres mintázása akkordtöréseket-referencia, mert a 20. század elején, mint stílus brisé -ben alakult, mint egy egységes szerkezetű francia zene Robert Ballard, lantoskönyveiben 1611 és 1614 között, valamint Ennemond Gaultier. Ezt az idiomatikus lantfigurát később átvitték a csembalóra, például Louis Couperin és Jean-Henri D'Anglebert billentyűs zenéjében, és továbbra is fontos hatással volt a billentyűs zenére a 18. században és a 19. század elején (például Johann Sebastian Bach és Frédéric Chopin zenéjében ).
Középbarokk zene (1630–1700)
A központosított bíróság felemelkedése az egyik gazdasági és politikai sajátossága annak, amit gyakran az abszolutizmus korának neveznek. A palota stílusa, valamint az általa támogatott modor és művészet udvari rendszere Európa többi részének mintájává vált. A növekvő egyházi és állami pártfogás valósága megteremtette az igényt a szervezett nyilvános zene iránt, mivel a hangszerek növekvő rendelkezésre állása megteremtette a keresletet a kamarazene iránt , amely egy kis hangszeres együttes zenéje.
Az udvari stílusú zeneszerző egyik kiemelkedő példája Jean-Baptiste Lully. Szabadalmakat vásárolt a monarchiától, hogy ő legyen a francia király egyetlen operáinak zeneszerzője, és megakadályozza, hogy mások operákat vezessenek. 15 lírai tragédiát fejezett be, és befejezetlenül hagyta Achille et Polyxène -t. Zeneileg nem állapította meg a zenekarok számára a vonósok által uralt normát, amelyet az olasz operától örököltek, és a jellegzetesen francia ötrészes hangulattal (hegedűk, brácsák-hautes-contre, taille és kvintes méretben-és basszushegedűkkel ) Bevezette ezt az együttest a lírai színházba, a felső részeket gyakran megduplázták a felvevők, a furulyák és az oboák, a basszust pedig a fagott. Hősies jelenetekhez gyakran adtak hozzá trombitákat.
A közép -barokk időszakot Olaszországban a kantáta , oratórium és opera vokális stílusának megjelenése határozza meg az 1630 -as években, valamint a dallam és a harmónia új fogalma, amely a zene státuszát a szavakkal való egyenlőségre emelte. korábban kiemelkedőnek tartották. A korai barokk virágos, koloratúrás monódiája egy egyszerűbb, csiszoltabb dallamstílusnak adott helyet. Ezek a dallamok rövid, kadencionálisan elhatárolt ötletekből épültek fel, gyakran a sarabande vagy a courante által rajzolt stilizált táncminták alapján. A harmóniák is egyszerűbbek lehetnek, mint a korai barokk monódia, hogy kifejezést világosabban mutassanak a húron, a crescendókat és diminuendókat pedig a hosszabb hangokon. A kísérő basszusvonalak jobban illeszkedtek a dallamhoz, és ellentétes egyenértékűséget keltettek a részekben, amelyek később az ária dallam kezdeti basszus -előrejelzéséhez vezettek. Ez a harmonikus egyszerűsítés egy új formális eszközhöz is vezetett a recitatív (az opera beszéltebb része) és az ária (az énekelt dallamokat használó opera része ) megkülönböztetéséhez . Ennek a stílusnak a legfontosabb újítói a rómaiak Luigi Rossi és Giacomo Carissimi voltak, akik elsősorban kantáták és oratóriumok zeneszerzői voltak, valamint a velencei Francesco Cavalli, aki elsősorban operaszerző volt. E stílus későbbi fontos gyakorlói közé tartozik Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi és Alessandro Stradella.
Arcangelo Corelliról úgy emlékszünk, hogy befolyásos a zenei technika másik oldalán elért eredményei miatt - hegedűsként, aki hegedűtechnikát és pedagógiát szervezett -, valamint a tisztán hangszeres zenében, különösen az ő érdekérvényesítésében és a concerto grosso fejlesztésében. Míg Lullyt bíróság elé állították, Corelli volt az egyik első zeneszerző, aki széles körben publikált és zenéjét egész Európában előadta. Csakúgy, mint Lully stilizálása és az opera szervezése, a concerto grosso erős ellentétekre épül - a szakaszok váltakoznak a teljes zenekar és egy kisebb csoport által játszott szakaszok között. A gyors szakaszokat és a lassú szakaszokat egymás mellé állították. Tanítványai között Antonio Vivaldi szerepel, aki később több száz művet komponált Corelli triószonátái és -koncertjei elvei alapján.
Ezekkel a zeneszerzőkkel ellentétben Dieterich Buxtehude nem volt udvari lény, hanem egyházi zenész volt, orgonista és Werkmeister posztot töltött be a lübecki Marienkirche -ben. Werkmeister feladatai közé tartozott a gyülekezet titkára, kincstárnoka és üzletvezetője, míg orgonaművészi posztja magában foglalta az összes fő szolgálatra való játékot, néha más hangszeresekkel vagy énekesekkel együttműködve, akiknek szintén fizetett az egyház. Teljesen hivatalos egyházi feladatain kívül megszervezte és rendezte az Abendmusiken néven ismert koncertsorozatot , amely magában foglalta a kortársai által az operák megfelelőjeként tartott szent drámai művek előadásait
Késő barokk zene (1680–1750) :
George Frideric Händel, Johann Sebastian Bach és kortársaik, köztük Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann és mások munkássága a barokk korszakot tetőfokára vitte, más néven volt a magas barokk
Belefülelők:
Bach: Brandenburg Concerto No. 3 in G major
Antonio Vivaldi: Recorder Concerto RV 443
Baroque - the Composers
13 Great Composers and How It Feels Playing Their Music
Itt a hétvége, nyit a blieskocsma. E heti vendégünk a Livin' Blues.
Livin' Blues
A bandát 1967 -ben alapította Ted Oberg. Némi felállásváltozás után a " Murphy McCoy " (George Kooymans írta) kislemezt 1968 -ban vették fel, Oberg Cesar Zuiderwijk (dob), Gerard Strötbaum (basszusgitár), Nicko Christiansen és John Lagrand mellett. Utóbbi kettő korábban az Indiszkrimináció blues duó volt . Ebben a felállásban a zenekar 1969 februárjában támogatta a Fleetwood Mac- et (többek között Rijenben, Rotterdamban és Amszterdamban). A Philips kiadó második kislemeze ( Sonny Boy " You watch watch yourself ") után Strötbaumot Henk Smitskamp váltja, aki korábban a Willy & Giants -en játszott ,
Az új felállással - ismét Jaap Eggermont produkciómenedzsmentje alatt - rögzítik a " Hell's Session " című LP -t . Ez egy nagyon erős album, amely összehasonlítható más fehér blues zenekarok albumaival, mint például John Mayall & Bluesbreakers , Fleetwood Mac és Cuby+Blizzards . 1970 -ben induljon Cesar Zuiderwijk -ből az Arany fülbevalóba és Henk Smitskamp -ból a Homokos partra . Helyettesei Dick Beekman (korábban Cuby+Blizzards ) és Ruud van Buuren (korábban 1850 -es csoport)
Bár a zenekar még mindig blues csoportnak minősíthető, a progresszív rock hatások kezdik elérni második albumukat, a " Wang Dang Doodle " -t. A címadó dal gitárriffje Deep Purple " Black night " -jára emlékeztet . A dal rövidített változata kislemezként jelenik meg, és szerény sláger. A siker Európa -szerte, Angliában és Olaszországban is fellép a zenekar. 1971 -ben tragédia történik Dick Beekman életében, aki kénytelen elhagyni a csoportot. Helyét Johnny Lejeune (korábban Blues Corporation , Jasper Mule ) veszi át. Vele rögzítik a " Bamboozle " albumot , amelyről " LB boogie"nemzetközi siker lesz. Bár a híres angol producer, Mike Vernon (John Mayall, Fleetwood Mac , Focus ) 1972 -ben átvette a csoport irányítását, a Phonogramról az Ariola kiadóra való áttérés után a dobos problémái tovább folytatódnak. Arjen Kamminga dobol az LP -n" Rocking at the Tweed Mill ", de néhány hónappal később hátproblémái miatt el kell hagynia a bandát. Vernon közbelépése után Kenny Lamb, a Jellybread angol blues csoport tagja lesz az új dobos. Hallható a" Ram jam Josey "című LP -n aligha tekinthető blues albumnak.Úgy tűnik, ez a Livin 'Blues aranykorának utolsó lemeze, mert 1974 -ben a csoport összeomlik. John Lagrand a Víz csoportnál , Nicko Christiansen a Himalájában és Ruud van Buuren az Ernie és Shakers -nél . Ted Oberg úgy érzi, kényszeríti Ariola -val kötött szerződése a zenekar folytatására. Ezért ő az egyetlen Livin 'Blues -maradék, aki 1974 végén a " Boogie woogie woman " című albumon vett részt John Frederiksz énekesnővel (George Cash néven), Michel Driesten dobdal, Ronnie Meyes gitárral és Henk Smitskamp basszussal a Shocking Blue -tól. Legalábbis ez a felállás megjelenik a fotó borítóján, mert amikor a zenekar 1975 elején elkezdte népszerűsíteni a kislemezt a tévében, úgy tűnik, hogy Meyes és Driesten eltűntek, Cor van der Beek (ex- Shocking Blue dobos ) és Paul Vink (ex. - Finch , billentyűzet). Ez utóbbi már hiányzik a " Live '75 " nagylemezről . Egy évvel később, a " Blue breeze " -ben (John Sonneveld producere) a régi Shocking Blue ritmusszekcióját André Reijnen (ex- Brainbox ) basszusgitáros és Jacob van Heiningen dobos (ex- Galaxis ) váltotta fel . Ez az LP a zenekar bestsellere, és különösen a népszerűsége Lengyelországban nagy magasságokba emelkedett.
Hollandiában azonban lefelé halad, és 1978 -ban a zenekar még lemezszerződés nélkül is fennáll. Oberg 1980 -ig folytatja a különféle zenészekkel való barkácsolást. Ezért úgy dönt, hogy visszahozza Nicko Christiansen -t és John Lagrandot, és Evert Willemstein basszusgitáros és Boris Wassenberg (más néven Beau Wassenberg) dobos mellett ismét az előző tíz év blues rock -jára összpontosít.
A Livin 'Blues tehát azon kevés együttesek egyike, akik a hágai Beatnach idején (1980. június 13.) maradtak , és ezért az egyik legprofibb fellépés. Oberg majdnem húsz év után 1986 -ban abbahagyja a Livin 'Blues -t . Christiansen 1987 -ben újra megpróbálja a " Now " című nagylemezzel"Joop van Nimwegen (gitár), Aad van Pijlen (basszusgitár), Willem vd Wall (gitár), Art Bausch (dob) és a veterán John Lagrand közreműködésével . 1989 -ben a függöny végre a Livin 'Blues -ra esik a" Snakedance " LP The a név használata továbbra is vita tárgyát képezi (különösen) Ted Oberg és Nicko Christiansen Oberg között a 90 -es években egyszerűen Obergnek nevezi együttesét Christianberg akkoriban játszik a New Livin 'Blues nevű zenekarban, és 2005 óta név Livin' Blues Xperience ( LBX ) azonban ezúttal John nélkül Lagrand, aki meghal 2005 júniusában szívmegállás 2012-ben, Livin' Blues Xperience áll Nicko Christiansen (ének, szaxofon, ütőhangszerek), Loek van der Knaap (gitár), Jeroen van Niele (basszus), Kees van Krugten (dob) és Francois Spannenburg (szájharmonika). Oberg 2012 -es felállása Liane Hoogeveen (ének), Mick Hup (gitár), Nico Heilijgers (basszus), Paul Damen (dob) és Ted Oberg (gitár).
Mi a mai napon az 1969-ben megjelent debütáló lemezükbe fülelünk bele, amelynek címe "Hell's session".
A Prog egy progresszív rockzenének szentelt brit magazin, amelyet a Future kiadott. A Jerry Ewing [1] által szerkesztett folyóirat2009 márciusában indult, a Classic Rock szétválásaként,és magában foglalja a korábbi és a jelenlegi művészeket. További jelenlegi munkatársak: Natasha Scharf (szerkesztőhelyettes), Russell Fairbrother (művészeti szerkesztő), Matt Mills (Hírszerkesztő) és Dave Everley (Album Review Editor). A Prog -t a Future adja ki, akik " klasszikus rock" és " Metal Hammer " "testvér" kiadványaiért is felelősek . A Prog évente kilenc alkalommal jelent meg 2012 -ig, amikor a gyakoriságát évente tízszer állították át. A The Guardian 2010 -es adatai szerint a folyóirat egy számban 22 000 példányban kelt el, ez fele az NME forgalmának. Gavin Esler újságíró és műsorszolgáltató 2014 -ben úgy jellemezte, hogy "azon kevés zenei magazinok egyike, amelyekre gondolhatok, hogy keringésük egészséges". 2016. december 19 -én a TeamRock 70 munkahely elvesztésével hívta fel az adminisztrátorokat, miután pénzügyi nehézségeket tapasztalt. TeamRock stabil címek, beleértve a Classic Rock, Metal Hammer, és Prog ideiglenesen felfüggesztette megjelenését. 2017. január 8 -án a Prog -t a Classic Rock és a Metal Hammer testvérmagazinokkal együtt a Future korábbi tulajdonosai 800 000 fontért vették meg. 2018. március 27-én a Future brit fogyasztói zenei magazinjainak családja, beleértve a Prog -t is, márkanévre váltott, és a Louder (más néven Louder Sound ) ernyő alá került , a loudersound.com pedig a kiadványok fő online portálja.
Ebben a nagyszerű kiadványban mindig megjelent egy CD-melléklet, jülönböző előadókkal. A következő hetekben ezekbe fülelünk bele. Az első a A Prog -t a Future adja ki, akik " klasszikus rock" és " Metal Hammer " "testvér" kiadványaiért is felelősek. A Prog évente kilenc alkalommal jelent meg 2012 -ig, amikor a gyakoriságát évente tízszer állították át. A The Guardian 2010 -es adatai szerint a folyóirat egy számban 22 000 példányban kelt el, ez fele az NME forgalmának. Gavin Esler újságíró és műsorszolgáltató 2014 -ben úgy jellemezte, hogy "azon kevés zenei magazinok egyike, amelyekre gondolhatok, hogy keringésük egészséges". 2016. december 19 -én a TeamRock 70 munkahely elvesztésével hívta fel az adminisztrátorokat, miután pénzügyi nehézségeket tapasztalt. TeamRock stabil címek, beleértve a Classic Rock , Metal Hammer , és Prog ideiglenesen felfüggesztette megjelenését. 2017. január 8 -án a Prog -t a Classic Rock és a Metal Hammer testvérmagazinokkal együtt a Future korábbi tulajdonosai 800 000 fontért vették meg. 2018. március 27-én a Future brit fogyasztói zenei magazinjainak családja, beleértve a Prog -t is, márkanévre váltott, és a Louder (más néven Louder Sound ) ernyő alá került , a loudersound.com pedig a kiadványok fő online portálja.
Ezekben a magazinokban mindig megjelent egy CD-melléklet, különböző előadókkal. Az elkövetkező hetekben ezekbe a lemezekbe fülelünk bele. Az első "(2012) Prog P1 - A New Day Yesterday" címmel jelent meg. Hallgassuk meg, érdemes!
A következő felvételeket hallhatjuk:
1. Citizen Cain – The Hunting Of Johnny Eue 12:01
2. El Doom & The Born Electric – Fire Don't Know 9:37
3. Gandalf's Fist – Into The Dark (Containing Emerald Eyes Reprise) 7:27
4. It Bites – Wallflower 4:53
5. Lord Of Mushrooms – Grace (Dedicated To...) 7:23
6. Lyrian – A Warning To Angels6:23
7. No-Man – Lighthouse 8:23
8. Paul Cusick – Borderlines 11:33
9. The Future Kings Of England–A Face Of Crumpled Linen 10:18
Folytatjuk barangolásunkat a zenei műfajok labirintusában. Elárkeztünk a C betűhöz.
C mint - Classic
A Classic zenei műfaj alműfaja a Ballet:
A balett, mint zenei forma a tánc egyszerűen kiegészítéséből, egy konkrét kompozíciós formává fejlődött, amely gyakran ugyanolyan értékű volt, mint a vele járó tánc. A 17. században Franciaországból származó táncforma színházi táncként kezdődött. A balett csak a 19. században nyerte el a „klasszikus” forma státuszát. A balettben a „klasszikus” és a „romantikus” kifejezések időrendben megfordulnak a zenei használattól. Így a 19. századi balett klasszikus korszaka egybeesett a 19. századi romantikus korszakkal a zenében. Századi balettzenei zeneszerzők, köztük Jean-Baptiste Lully , Pjotr Iljics Csajkovszkij , Igor Stravinsky és Szergej Prokofjev, elsősorban Franciaországban és Oroszországban voltak. A Csajkovszkij és Sztravinszkij életében tapasztalt fokozott nemzetközi hírnév ellenére a balettzenei kompozíció és általában a balett elterjedt a nyugati világban.
A 19. század második feléig a balettben a zene szerepe másodlagos volt, főleg a táncra helyezték a hangsúlyt, míg a zene egyszerűen táncolható dallamok összeállítása volt. A "balettzene" írása korábban a zenei mesterek munkája volt, nem pedig a mesterek számára. Például az orosz zeneszerző, Pjotr Iljics Csajkovszkij (1840–1893) kritikusai megalázónak említették a balettzenei írását.
A legkorábbi balettektől Jean-Baptiste Lully (1632–1687) koráig a balettzene megkülönböztethetetlen volt a társastánc zenétől. Lully létrehozott egy különálló stílust, amelyben a zene mesélt. Az első balett -akciót 1717 -ben rendezték. A Mars és a Vénusz szerelmei szavak nélkül elmesélt történet. Az úttörő John Weaver (1673–1760) volt. Mind Lully, mind Jean-Philippe Rameau (1683–1764) opéra-balettet írt , ahol a történetet részben táncolták, részben elénekelték, de a balettzene fokozatosan kevésbé lett fontos.
A következő nagy lépés a tizenkilencedik század első éveiben történt, amikor a fő táncosok kemény cipőből balett szivattyúvá változtak. Ez lehetővé tette a szabadabb zenei stílus használatát. Marie Taglioni (1804-1884) tulajdonítják az első balerina táncol en Pointe a La Sylphide 1832 volt már lehetséges, hogy a zene, amely sokkal inkább kifejező. Fokozatosan merészebbé vált a tánc, a férfiak a levegőbe emelték a balerinákat.
Csajkovszkij idejéig a balett -zeneszerzőt különállónak tekintették a szimfóniák szerzőjétől. A balettzene kísérője volt az egyéni és együttes táncoknak. Csajkovszkij Hattyúk tava volt az első balett -partitúra, amelyet szimfonikus zeneszerző hozott létre. Csajkovszkij kezdeményezésére a balett -zeneszerzők már nem egyszerű, könnyen táncolható darabokat írtak. A balett középpontjában már nem csak a tánc állt; a táncok mögötti zene egyenlő mértékben kezdett elterjedni. A 19. század végén Marius Petipa francia balett -koreográfus és táncos olyan zeneszerzőkkel dolgozott együtt, mint Cesare Pugniösszetett tánccal és összetett zenével egyaránt büszkélkedő balett -remekművek létrehozására. Petipa Csajkovszkijjal is dolgozott, akár a Csipkerózsika és a Diótörő című művén , vagy közvetve Csajkovszkij Hattyústójának a zeneszerző halála utáni felülvizsgálatán keresztül .
Sok esetben a balettek még mindig rövid jelenetek voltak az operákban, hogy lehetővé tegyék a díszleteket vagy a jelmezváltást. Talán a legismertebb példa a balett zene, amely része egy opera a Tánc az Óra származó Amilcare Ponchielli operájának La Gioconda (1876). Erős hangulatváltozás következett be, amikor Igor Stravinsky A tavasz szertartása című balettjét először 1913-ban mutatták be a párizsi Théâtre des Champs-Élysées -n. A zene modernista és disszonáns volt, a mozdulatok pedig nagyon stilizáltak. 1924 -ben George Antheil írta a Balett Mécanique című filmet .amely valójában mozgó tárgyak filmjéhez készült, nem táncosokhoz, de úttörő volt a jazz zene használatában. Ettől kezdve a tánczene két irányba szakadt: modern és jazz tánc. George Gershwin megpróbálta áthidalni ezt a szakadékot a Shall We Dance (1937) című film ambiciózus partitúrájával , és több mint egy órányi zenét komponált, amely az agyi és technikai, a lábat taposó jazz és rumbáig terjedt. Az egyik jelenet, a Hoctor's Ballet , kifejezetten Harriet Hoctor balerinának készült .
A balettzene történetének másik vonulata a régi zene kreatív feldolgozásának iránya. Ottorino Respighi átvette Gioachino Rossini (1792–1868) műveit, és összekötötte őket egy 1999 -ben bemutatott La Boutique fantasque című balettévé . A balett közönsége általában a romantikus zenét részesíti előnyben, ezért új baletteket hoznak létre a régi művekből, új koreográfiával. Jól ismert példa az Álom Felix Mendelssohn (1809–1847) zenéjére John Lanchbery rendezésében .
Jelentősebb balett zeneszerzők:
Adolphe Adam
Borisz Asafjev
Leonard Bernstein
Arthur Bliss
Nimrod Borenstein
Victor Bruns
Aaron Copland
Léo Delibes
Violeta Dinescu
Riccardo Drigo
Manuel de Falla
Lorenzo Ferrero
Alexander Glazunov
Reinhold Glière
Christoph Willibald Gluck
Ferde Grofé
Aram Khachaturian
Jean-Baptiste Lully
Darius Milhaud
Ludwig Minkus
Bruno Moretti
Francis Poulenc
Szergej Prokofjev
Cesare Pugni
Maurice Ravel
Erik Satie
Dmitrij Sosztakovics
Belefülelők:
Jean-Baptiste Lully: Ballet d'Alcidiane et Polexandre
Itt a hétvégem nyit a blueskocsma. E heti vendégünk aShort Cross.
Short Cross
A Short Cross:
Az eredetileg Sandstonstól, az amerikai Virginia állambeli Richmond egyik külvárosából érkezett Short Cross a The Hustlers együttesből fejlődött ki, amelynek tagjai különböző szakaszokban Steve Hicks (ex-Reactor) és Butch Owens (ex-Outlaws) voltak billentyűzeteken, valamint az eredeti tagok, Velpo Robertson, ének és gitár, Gray McCalley, dob és Bird Sharp, basszusgitár. Ben Luck szintén tagja volt a zenekarnak, de távozott, hogy csatlakozzon a Barracudashoz.
A zenekar egy kevéssé ismert kislemezzel debütált Nick Colleran kis Colpar kiadójánál - "On My Own" / "Marching Off To War".
Egyedülálló és ritka albuma, amellett, hogy nagyon energikus, jobban meghatározható pszichedelikus érintésekkel bíró blues / rock anyagként, amelynek csúcsa a „Suicide Blues” dalban található. Rengeteg nagyszerű gitár és Hammond B3 remek produkcióval és kivitelezéssel működik. Kicsit kivéve a kontextusból, az "Ellen" egy elég szentimentális ballada.
Néhány számban kürtös feldolgozások is találhatók, némileg hasonlóak a Blood, a Sweat & Tears és a Chicago-hoz, az egyik szám pedig vonós elrendezésű. Kiváló saját anyag, erős vokál és remek hangszeres munka.
Az a tény, hogy egy kis kiadó adta ki, korlátozott terjesztési képességekkel, azonnal elhomályosította az albumot (és nyilván magát a zenekart is). Állítólag 1000 példányt nyomtak le, és körülbelül felüket megsemmisítették. A zenekar nyitókoncerteket adott fel néhány Richmondot meglátogató turisztikai ügynökségnél, és a Black Sabbath együttes nyitókoncertjét a Virginia Commonwealth University-n.
Elkezdett egy második album anyagának felvételét, de megfelelő anyagi támogatás nélkül az ülések nem zárultak le. Owens elhagyásával a zenekar, a fennmaradó három tag 1974-ig folytatódott, amikor szintén kiléptek és megszüntették a zenekart.
2004 augusztusában McCalley, Owens, Robertson és Sharp, a zenekar eredeti felállása három évtized után először tért vissza együtt játszani egy iskolai találkozóra a Highland Springs High School-ban.
Tagok.
Grey McCalley (dobok, énekek)
Butch Owens ( O rgão, zongora, Moog)
Velpo Robertson (gitárok, énekek)
Bird Sharp (basszus, ének)
A következő felvételeket hallhatjuk:
01. Nothin' But A Woman
02. Wastin' Time
03. Suicide Blues
04. Just Don't Care
05. On My Own
06. Till We Reach The Sun
07. Ellen
08. Hobo Love Song
Bonus Tracks.
09. On My Own (Stereo Mix Of Single A-Side)
10. Marching Off To War (Stereo Mix Of Single B-Side)
A bluesnál egy kicsit beragadtunk. Ezzel a résszel azonban lezárjuk. Lehetett volna sokkal aprólékosabb, foglalkozhatunk volna egyes vidékek, delták blueszenéjével, vagy hangszerek vezető szerepe szerinti blueságakkal /pl zongora/, és nem utolső sorban különbözó zenei stílusok fúzióival /jazz-blues, soul-blies/
A főcél azonban az, hogy minél több zenei műfajjal barátkozzunk össze, ezért továbblépünk.
B - mint blues
A következő blues alműfaj a Rhythm Blues:
A „ritmus és blues” kifejezés, amelyet gyakran „R&B” -nek is neveznek, az 1940 -es években keletkezett, amikor a „versenyzenét” helyettesítette, mint általános marketingkifejezést minden afro -amerikai zenére, bár általában csak a világi, nem pedig a vallásos zenére vonatkozott. A kifejezés először 1948 -ban jelent meg a kereskedelmi felvételekben, amikor az RCA Victor lemezek elkezdték használni a "blues and ritmus" zenét az afroamerikai világi dalok leírójaként. Az afroamerikaiak migrációja az északkeleti és középnyugati városi központokba a huszadik század elején segített összehozni az afroamerikai zene különböző regionális stílusait, hogy befolyásolják egymást. A migráció új piacokat is teremtett ezeknek a zenei stílusoknak. A "ritmus és blues" kifejezést a boogie woogie, az afroamerikai swing, a jazz és a blues elején használták.
A kifejezés jelentése az idő múlásával folyamatosan változott, és ma is sokféle afroamerikai zenei forma ernyőfogalomaként használják. Történelmi szempontból azonban a "ritmus és blues", ahogy ma értjük, leggyakrabban egy olyan zenei stílust ír le, amely a második világháború után alakult ki, és amely a pop, a gospel, a blues és a jazz elemeit ötvözi erős visszaütéssel. Az ezekben az években kialakult afroamerikai stílusokat gyakran kis csoportok játszották, amelyek hangsúlyozták a swing zenekarok hangszeres és harmonikus összetettsége fölötti ritmikus hajtást. Énekeseik gyakran gátlástalan és érzelmileg közvetlen stílusban énekeltek. A nagyvárosokban egyre nagyobb számban jelentek meg tinédzser énekes csoportok, akiknek kevés volt a hangszeres kíséretük, vagy egyáltalán nem. Inspirációjukat mind az evangélium énekeseitől, mind a sikeres afro -amerikai popstylistektől, például az Ink Spots -tól vették. A "doo-wop" kifejezés ma már jól ismert, de ezekre a csoportokra csak jóval később alkalmazták, és azokra a szólamokra és értelmetlen szótagokra utal, amelyeket ezek a csoportok énekeltek, hogy kompenzálják hangszereik hiányát. Mindezek a stílusok jelentősek voltak a rock and roll fejlődése szempontjából néhány évvel később.
Habár az afroamerikai zene általános kifejezéseként kezdődött, a stílusok szintézise, amit ma ritmusnak és bluesnak neveznek, a háború utáni időszakban megfogott a széles ifjúsági közönség körében, és hozzájárult az amerikai társadalom és a zene faji megosztottságának megváltoztatásához. század közepe. Kezdetben olyan fehér művészek, mint Elvis Presley, afrikai -amerikai zeneszerzők ritmus- és blues -műveit adták elő és rögzítették, vagy "fedték", annak érdekében, hogy ezeket a dalokat a fehér közönség számára értékesítsék. De a hatás az volt, hogy összehozta mind a közönséget, mind az e zenei stílus iránt érdeklődő művészeket. A ritmus és a blues fejlődése éppen akkor következett be, amikor a szegregáció egyre növekvő társadalmi kérdéssé vált az amerikai társadalomban. Fekete -fehér fiatalok is látni akarták a nap népszerű előadóit, és a fiatalok vegyes csoportjai együtt doo-wopot énekeltek számos városközpont utcasarkán. Ez a szegregáció híveinek erőteljes reakcióját váltotta ki, és ez volt az egyik oka annak, hogy a ritmust és a bluest, valamint a korai rock and rollot gyakran veszélyesnek tartották Amerika fiataljai számára. De mivel a különböző hátterű fiatalok azonosultak ezekkel az új zenei stílusokkal, egy generáció készen állt egy egyenlőbb társadalomra.
A hatvanas években megjelent a "soul" néven ismert ritmus- és blues -stílus, amelyben az evangéliumi énekstílus hatása erősebb volt, bár a lírai hangsúly általában nagyon világi volt. Ebben az előadásban egy videó a Barbara Lynn gitáros, énekes és dalszerző , a 1960-as évek közepének sikeres soul-művészei által, a Kongresszusi Könyvtárban tartott koncertről készült videóról, amely 2009-ben a texasi ritmus és blues stílusát mutatja be.
